中国的当代艺术已经走过了三十年的历程，并且在当今呈现出多元活跃的状态，不论从艺术创作、艺术史书写还是艺术教育方面来讲，都需要对过去的历史有清晰的梳理和认知，以此汲取向前推进的力量。本书将“艺术史书写”的议题分解为四个专题，分别从方法论转型、理论立场、身份以及体制与艺术史书写的关系展开讨论，邀请知名中西方学者撰稿。西方学者从过往的对于西方当代艺术的书写经验、思考逻辑出发，国内学者则从中国当下的艺术情境展开，对当代艺术史进行了精彩的讨论。本书是中西方学术对话的结晶，对探寻中国当代艺术史的书写具有重要意义。

細數華夏藝術歷史，多數呈現男性觀點較為罕見女性的身影，在元朝至治三年(1323)三月二十三日，蒙古公主祥哥剌吉(Sengge Ragi)在大都(今北京)城南的天慶寺主辦了一場雅集，將她所藏的書畫作品提供參與雅集的人欣賞，並請他們為作品題跋，雅集被認為是宣示蒙古皇族參與中國書畫藝術鑑賞活動的重要事件，從另一個角度來看，堪稱是歷史上少見以女性為主體的收藏。

本院「公主的雅集－蒙元皇室與書畫鑑藏文化特展」，透過元代文人袁桷的紀錄與相關的文獻資料，記載了當時雅集總計四十一組件的作品清單，並藉由祥哥剌吉在所藏書畫上落款之「皇姊圖書」印章，學者追蹤研究公主的收藏至少超過五十件，收藏題材包括書法名蹟、花鳥、界畫、甚至是宗教繪畫等，收藏所及還包括元代當代畫家作品，展現收藏的年代史觀，種類多樣豐富且具代表性，其中不乏是本院現有所藏之書畫精品。

本特展圖錄中策展人詳盡的比對歷史文獻，透過所藏書畫及繪畫作品中，鑑藏顧問的題跋，探究收藏的脈絡，本圖錄以《皇姊圖書》、《帝王收藏》、《士人題跋》、《多元藝術》等四個面向為主軸，其中除以蒙元文化史角度深入探討，更可窺探中亞移入中原後不同文化所激盪的火花，然而在此回顧雅集的盛宴，惟一遺憾的是公主祥哥剌吉並未留下具體的御容一窺究竟，但卻提供後世一個對於蒙元文化史新課題的探討基礎。

《这里是中国》由星球研究所近3年积累而成

国内第一部全视野中国地理科普著作

庆祝中华人民共和国成立70周年，提升国民视野，传承核心价值观

书架上的中国纪录片，文化传承

1 本书 =3 年日夜对内容的精心打磨

1 本书 =365 处极美风光的瞬间捕捉

1 本书 =519 页充满温情的中国故事

1 本书 =1000 小时绘制 53 幅专业地图

中国这片广袤的土地，到处是景致，处处有故事。这本书以广阔的地理视角和宏大的时间尺度，解读中国故事；以唯美的照片、专业的地图、深情的文字，描绘祖国山河，让我们在享受视觉盛宴的同时，了解中国的过去、现在，以及充满希望的未来。

本书以二十四节气为顺序，用散文随笔的形式抒写了对时节更迭的细腻感受，并结合传统文化进行深层次的解读。同时，作者亦用精致且温暖的摄影作品感知、诠释自然风物季节变换的魅力，重温人与天地万物感应共鸣的静谧时光。

本书集文化随笔、摄影作品于一体。文化随笔清新隽永，婉约缱绻，摄影作品兼具诗情画意与人文关怀，是一部值得珍藏的作品。

编辑推荐：

◆她说：住民宿，就像是生活方式的混血。606天，她没有辞职去旅行，每一天却都像在旅行。这一路，她带着1个旅行箱、走过26座城市、遇见99位房东， 体验了不同的活法，吸收了多元的价值观，而这些经历在她身上不断累积，让她成为生活方式混血的世界公民。

◆她说：空间大小不是生活质量的决定性因素，心中有风景，处处是风光。房子给人物理空间的安全感，精神世界的安全感来自于房子里的人和物。苹果姐姐的故事给当下焦虑、孤独、不自信、对生活不甘、渴望突破自己舒适区的年轻人打了个样。在互联网和共享经济时代的浪潮中，她的故事就像一座灯塔，照亮了每一位对世界上瘾、对未知充满好奇的年轻人。

◆她说：不疯魔，不成活，人要有疯子般的坚持和在关键时刻化解难题的能力。为了梦想，她曾拿着全奖独自去美国留学；为了梦想，她曾熬夜100天，为创业巨人画过20幅肖像画；为了梦想，她曾拼尽全力加入竞争激烈的硅谷创业公司。

◆她是这个时代的斜杠新青年、未来生活家。因为一篇名为《改变我人生轨迹的一幅画》的文章，她走红于网络。她是首位受邀出席爱彼迎全球房东大会的华人演讲嘉宾，也是趁早读书会、行动派、马蜂窝、TEDx的演讲嘉宾，还是腾讯、阿里巴巴、美图秀秀、知乎特邀讲师。她做过百余场分享会，演讲内容影响过百万人。

◆真格基金创始人徐小平、前洛杉矶副市长陈愉、三联松果生活创始人魏一平、旅行作家阿Sam、传记作家范海涛 联合推荐！

◆随书附赠作者手绘治愈系明信片。

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内容简介：

17岁，我离开了熟悉的家，独自一人到美国读高中。在孤独的异乡，寄宿家庭待我如亲人。从那时起，住民宿的种子就在我心中埋下了。

大学毕业后，我在华尔街和硅谷闯荡。紧张的工作让我感到焦虑和迷茫，我想找回生活中的新鲜感。

于是，我决定拖着一个行李箱，白天工作，下班后住进有趣的家，体验不同的人生。

我发现家不一定是四四方方的公寓，也可以是树屋、房车、圆顶帐篷。606天，99位房东，他们是82岁的“ 文艺复兴” 女画家、酷爱探戈舞的民航飞行员、打造“ 房车公园” 的好莱坞制片人……

这段经历让我看到了向往的生活方式，并给予我动力，为之努力。

When you open yourself up, the world will open to you.

当你敞开心扉，世界也会向你敞开。

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关于家：空间大小不是生活质量的决定性因素，心中有风景，处处是风光。

关于现实：当我们不能改变身边环境时，就去改变自己面对现实生活的方式。

关于生活：改变一成不变，主动探索生活中的新鲜感。

关于旅行：利用工作间隙说走就走，不是为了潇洒，而是来自对生活的热忱和一点“贪心”。

关于交流：真正的交流障碍不是语言，而是内心的自我设防。不能在被别人否定之前，先否定了自己。

关于勇气：勇气就是在恐惧中有所为。（Courage is to act in front of fear.）

关于未来：未知中一定存在着美好的可能性，这就是世界让人上瘾的原因。

道在瓦甓，语出《庄子·知北游》，意为大道无处不在，即便是身边最不起眼的平常之物也有道存焉，一片瓦甓，一块残砖，都是素朴本真的存在。从秦汉、魏晋流传下来的砖瓦遗迹，虽不比鼎彝等重器罕见昂贵，却别有一番盎然古意，更因存有古代吉语图案，备受晚近金石收藏家青睐。

吴昌硕是近代声名卓著的艺术家，在金石、书画、诗文等各个领域都有着相当的成就和影响。他以古砖为媒，形成了一个广泛的收藏交游圈，结识了吴云、潘祖荫、吴大等良师益友，亦从古砖中汲取养料，以之入印、入书、入诗，进行一系列吸收转化的艺术创作，形成独特的面貌风格。作者在书中专论吴昌硕的古砖收藏与艺术实践，是以往研究较少涉猎的一个角度。

本书为OCAT研究中心展览与文献研究丛书第三卷，全书源于OCAT研究中心2017年度的年度展览。本次展览为两所世界顶尖大学的联合展示，即“遗址与图像：牛津大学和芝加哥大学的两项研究计划”。牛津大学的部分，是隶属大学考古研究所的“历史环境图像资源库”（Historic Environment Image Resource，简称HEIR）所提供的考古遗址历史照片，包括“‘彼时’与‘此时’”、“摄影作为艺术”、“考古遗址的发掘与再造”三个单元的照片，并对1939年英国萨顿胡（Sutton Hoo）船葬遗址发掘过程进行整体的幻灯片展示。正如埃尔斯纳教授所说，这些摄影作品提供了两种比较形式，来自多个地区的不同记录方式构成了19世纪中叶欧洲中心主义视角下的多元文化比较，而通过这些在不同时期记录相同遗址的摄影文献我们又可以在当代学术的视野下尝试更进一步的比较，即遗址与进入博物馆之前的文物所经历的变化，包括它们在物质上的变更以及在人们的目光与想象中的变迁。这一点也正是芝加哥大学“天龙山石窟”项目的出发点，研究人员对散落海外的天龙山造像进行三维扫描，采集信息并建立模型，以数字化的方式呈现石窟。尤其有意义的是将藏于海外的天龙山造像与石窟的历史照片相对照，为造像找到原址，通过数码技术将这些残缺部件重新组合起来，从而使被肢解的佛头和佛手在虚拟世界中找到了曾经失去的身体。这种文物对于原境的要求，被巫鸿教授概括为“不可移动的文物”。除了埃尔斯纳教授与巫鸿教授的展览序言与文章之外，关于19世纪以来摄影对考古发掘、研究、教学等方面的影响与反思，可详见本书中由牛津大学Katharina Ulmschneider博士与Sally Crawford博士撰写的文章与图录；关于天龙山项目的内容与意义，详见芝加哥大学蒋人和教授的文章，关于展览的技术问题可参考太原理工大学张晓教授的说明文字。在本书中，我们还收录了阿洛伊斯·李格尔有关文物保护的重要文献《对文物的现代崇拜：其特点与起源》的完整英文译本，以及陈平教授最新修订的中译本，供读者参考。

《宋元画史中的博物学文化》作者施錡围绕“宋元艺术史的博物学文化”进行理论论证，用实例剖析阐述，形成观点鲜明、论据充分的文章，图文并茂，内容涉及中外，延展古今。不是单一地就艺术论艺术，跨学科、跨地域地引用、论证，从不同的角度、不同的文化内延出发，分析了艺术史中的博物学文化。

无论我们怎样给中国古代画史下定义，中国古代画史的内涵还是由形成于系谱的历代画家及其作品所构成的。中国美术史论界以往对中国古代画史的研究，其主要还是定位于绘画本体及其审美表现形式与技法风格的研究上，无非就是冠之于“史”的名义而已；而施錡博士则规避了以往研究的窠臼，调整了自己的研究观念，她把博物学（natural history）作为自己研究中国古代绘画的透镜，从而把中国古代画史研究还原于中国古代文化与历史的宏大背景中，以追问宋元两朝绘画与文史之间所交融的现象和本质之关系。

在施錡博士的研究视域中，中国古代绘画已不再是一种纯然的外在审美表现形式，施錡博士把画面形式本体所呈现的物象与人等诸种元素紧密地维系于中国古代文史传统中，通过透视中国古代官制、宗法、政治、、民俗、器物与服饰等文史成因，从而把中国古代画史研究向博物学领域拓宽与拓深。从学理上讲，施錡博士是籍助于中国古代画史研究，在博物学研究观念的策动下，有效地发现、思考与解决文史研究的新问题。因为，在施錡博士的研究视域中，画面所表现的物象与人等元素，其必然是对一个特定时期之文化与历史的审美记忆，这些元素反过来必然也可以成为对文史领域博物学研究的有效注解，而不仅仅是一个个纯然表现画家个人意境的审美元素了。然而，即便是画家个人的审美意境，其也必然把画家生存的文史背景投射在作品的形式本体上。这就是从一件古画看文化、看历史，而不再是囿限于一个狭小的视域，仅从一幅绘画看作品本身。以画论画的年代持续得太久了，当下是一个全球化与信息化的时代，论画的博物学年代终于到来了。

An inkstone, a piece of polished stone no bigger than an outstretched hand, is an instrument for grinding ink, a collectible object of art, a token of exchange between friends or sovereign states, and an inscriptional surface on which texts and images are carved and reproduced. As such the inkstone is entangled with the production of elite masculinity and the culture of wen (culture, literature, civility) in China, Korea, and Japan for over a millennium. Curiously, this ubiquitous object in East Asia is virtually unknown in Europe and America.

The Social Life of Inkstones introduces its hidden history and cultural significance to scholars and collectors and in so doing, writes the stonecutters and artisans into history. Each of the five chapters is set in a specific place in disparate parts of the empire: the imperial workshops in the Forbidden City, the Duan quarries in Guangdong, inkstonecarving workshops in Suzhou and elsewhere in the south, and collectors’ homes in Fujian. Taken together, they trace the trajectories of the inkstone between court and society, and through the course of its entire social life. In bringing to life the people involved in making, using, collecting, and writing about the inkstone, this study shows the powerful emotional and technical investments that such a small object engendered.

This first book-length study of inkstones focuses on a group of inkstone carvers and collectors, highlighting the work of Gu Erniang, a woman transitioned the artistry of inkstone-making to modernity between the 1680s and 1730s. The sophistication of these artisans and the craft practice of the scholars associated with them announced a new social order in which the age-old hierarchy of head over hand no longer predominated.

本书论述上起新石器时期，下至清代数千年中国染织纹样发生发展及其演变的历史，并就各历史时期的政治经济、生产方式、工艺技术、织物品种等方面的内容进行综合论述，着重对各时代纹样从造型、色彩方面进行剖析，并联系个时期的政治、经济、文化背景，深入阐述染织纹样的形成风格和美学特色。

染织纹样史研究的内容是以纹样为核心的，涉及纺织原料、染织工艺、织物品种以及社会制度、时代风尚等多方面的综合性研究。本书按历史时期分为八章，每章的第一节是对织物的原料与品种及纹饰的表现工艺的研究；第二节论述本时期典型时代纹样的结构特点、纹样的流变等；第三节是纹样的文物示例与阐释，以图片为主，加少量文字阐释。

★探寻云冈石窟佛教造像的艺术渊源与美学发展

★力求无限接近中国造像美学发展真相

★展示中国古代人们的审美取向与精神境界

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★《云冈日录》是日本南蛮文学创始人木下杢太郎将自己在中国云冈石窟二十多天来对当地佛像的考察、临摹以及拍摄汇集成此书。书中囊括了大量清末时期云冈佛像的历史图像，手绘照片，以及石窟布局示意图。由于战乱及自然灾害等因素，云冈石窟的部分洞穴及佛像发生了不同程度的改变以及损毁，因此，这些资料在今天看来就显得尤为珍贵。此外，作者还将云冈一行的所遇到的林林总总记录于书中，鲜活地再现了晚清时期的人文风貌与社会现状。

保罗?奥斯卡?克里斯特勒（PAUL OSKAR KRISTELLER），长期任哥伦比亚大学哲学教授，是国际学术界公认的20世纪以来文艺复兴研究领域的知名学者。本书涵盖了作者在这个领域有影响力的论著，收录了他对文艺复兴时期的重要思潮——人文主义、柏拉图主义与亚里士多德主义等的诠释，以及对艺术近代体系形成的深入考察。此书不但改写了文艺复兴思想史，而且深刻地影响了欧美文艺复兴研究的方向，被西方学者誉为“每一位思想史研究者的范本”。

全书共有十一篇文章，分别归入三个论题：人文主义、柏拉图主义与亚里士多德主义、艺术。所收文章写作的时间跨度从1944年到1989年，涵盖了作者学术研究的鼎盛阶段。该书被西方学者誉为“每一位思想史研究者的范本”。

本书配合2017年底上海博物馆“遗我双鲤鱼——明代吴门书画家手札墨迹展”。上海博物馆藏有大量珍贵的明代名人书札，尤其是吴门地区书画家之手札，既是精美的书法作品，又具丰富的史料价值。本书汇集十余篇论文，从书法、绘画、印章、刻帖、园林等多角度解读吴门手札，展示明代吴门一地书 画家文章酬唱、艺苑交游的情况，直接、生动、全面地还原明代苏州文人圈的生活环境、艺术创作、审美趣味以及书法风貌。是手札研究的精品力作。

·59幅高清名作，全方位展示七百年画史变迁

·全球顶级博物馆百年珍藏，跨世纪经典图录，首度中文呈现

·资深专家撰文，详述画作背后的故事

·手册尺寸，方便携带，随时畅游艺术殿堂

弗利尔美术馆是美国历史上第一个专业的亚洲艺术博物馆，拥有庞大而完备的亚洲艺术品收藏。在中国古画领域，佛利尔美术馆更是以其冠居全美的藏品数量，成为海外中国古画收藏和研究的中心。

1973年，佛利尔美术馆举办了《中国人物画》(Chinese Figure Painting)特展，以迎接建馆五十周年。这是在西方美术馆举行的第一个中国人物画大展。随展览出版的图录，精选了佛利尔馆藏的59件中国古代人物画珍品，并配以时任佛利尔美术馆助理馆长、中国艺术史专家罗覃（Thomas Lawton）撰写的导言及说明。这一文献开创性地勾勒了中国人物画历史的全貌，成为英文世界中国艺术史研究的经典著作。

上海书画出版社“珍藏中国”书系的愿景，就是希望散落在世界各地博物馆的中国艺术精品能够被更多的国人看到、认识和喜欢。作为“珍藏中国”的首部曲，《画中人：佛利尔的59幅中国人物画》选择了全球最重要、最具代表性的佛利尔人物画收藏，以中文完整呈现了1973年《中国人物画》这一经典图录的全部图文内容。英文版中部分黑白图版，在本书中也将全部以彩色呈现。

祖先与永恒：杰西卡·罗森中国考古艺术文集

[英] 杰西卡·罗森 著 邓菲 黄洋 吴晓筠译

生活·读书·新知三联书店 2017-8

ISBN：9787108060297 定价：92.00元

杰西卡·罗森（Jessica　Rawson）教授在大英博物馆工作二十余年，长期担任大英博物馆东方古物部主任，1994年后又执教于牛津大学中国艺术与考古专业教授，是目前中国艺术与考古领域最为活跃的西方学者之一。自从学生时代起，她就致力于通过物质文化来研究古代中国。在过去三 十五年的学术生涯中，她试图了解常出土于墓葬中的青铜器、玉器及其他工艺品是如何被使用的，从而进一步去理解这些器物的制作造者的技艺、生活和信仰。

本文集收录罗森教授的研究论文17篇，内容涵盖青铜器（4篇）、复古维新（3篇）、墓葬（5篇）、中西交通（2篇）、装饰系统（3篇）五个方面，大部分完成于2000年之后，尚为首次以中文结集发表。通过这些文章，罗森教授希望能够和对古代中国有兴趣的读者来分享她的思考和见解。其中许多文章源自她在牛津大学的讲课。

在《中正之笔》中，作者倪雅梅认为颜真卿之所以获得显赫的艺术声誉，是基于某些政治的原因，而非纯粹的审美原则。她论证了颜真卿的重要地位是由11世纪几位有权势的文人人为制造出来的，他们希望通过与颜真卿正直的声名建立联系，从而提高自己的政治地位。他们将书品等同于人品，并且大力弘扬颜真卿的书法风格，以便把自己装扮成和颜真卿一样的人物。《中正之笔》讲述的是中国文化史上的一段微妙、世故而英明的故事，在这个故事中，人们对历史进行了创造性的重新阐释，并将这种阐释作为达成自己政治意图的手段。

本书是“诺顿音乐断代史”系列之一，亦属于美国研究生中世纪音乐课程的必修教材之列。大多数关于中世纪音乐的教材内容都颇为乏味，但此书的内容却妙趣横生。著作第一章是对从罗马帝国结束至公元1000年的一段充满趣味的历史导论，第二章则是关于同时期基督教礼拜仪式的描述。后续章节包括对宗教音乐和世俗音乐的详细论述。该书是一部既适于学术研究又适于扩展阅读的学术专著。原作者理查德霍平,这部专著长期以来是西方音乐学界（尤其是英语世界）有关欧洲中世纪音乐的标准论著，资料丰富、条理清晰、叙述详赡，基本上概括了这一研究领域的全貌。

唐小兵教授长期在国外从事中国现代版画研究，并从版画史研究转向当代版画艺术的搜集、策展与阐释，在该领域发出了权威的声音。本书着重探讨中国当代视觉文化中社会主义文化生产的影响与审美价值，涉及当代电影、绘画等多种艺术门类，在西方语境下，与西方媒体及中国研究的主流观点进行了有益多元的对话。这是一部值得我们重视的学术著作。

——陈思和（复旦大学中文系教授）

这是一部极具野心和洞察力的作品，不仅抽丝剥茧地解读了当代中国视觉文化的建构过程，而且把这些视觉秩序与新中国创造新文化的宏伟规划联系起来。作者在批判性地反思美国观者对当代中国视觉文本的“文化偏见”的同时，尝试建立一种历史化地阅读新中国版画、电影、先锋艺术等视觉媒介的“观看之道”。这对更加辩证地理解当代中国的文化史及其海外传播有重要的启示意义。

——张慧瑜（北京大学新闻与传播学院研究员）

当代中国纷繁的艺术创新和视觉环境，蕴涵着怎样的历史经验和逻辑？“视觉文化”这个概念，能让我们看到什么？《流动的图像：当代中国视觉文化再解读》以富于同情的眼光，全球化的视野，追溯多种视觉艺术形式的创作实践和历史语境，呈现出当代中国视觉文化的丰富多彩与鲜活可观。书中所展开的“再解读”，不仅是文化研究的方法，也可以是当代中国读者在自身文化经验中收获认同与震撼的“再发现”。

《阿佩莱斯的遗产》这本E.H.贡布里希教授文艺复兴艺术研究的第三卷论文集，秉承了文艺复兴这一核心论题的经典传统。阿佩莱斯，是古希腊著名的画家，他被认为能将美和模拟自然的高超技巧完美结合起来。美和模拟自然这一对双生的概念，从古典遗迹中继承而来，并且直到20世纪仍被认为是艺术不容置疑的奠基石，是本书收录的这些博学而令人兴奋的论文的缘起。在20世纪，尽管表面上文艺复兴式的理想被抛弃了，但对传统、价值和规范的质疑仍然至关重要。无论是探讨光线与光泽的表现、莱奥纳尔多·达·芬奇的创作方法，还是研究批评原理，作者的分析和阐释都深深根植于这一观点。对于学生和对艺术与文化感兴趣的读者而言，丰富的论点赋予了本书持久的生命力。