《西方绘画大师经典作品:莫奈》内容简介：19世纪60年代，法国印象主义绘画的诞生，其灿烂夺目的光彩照耀着整个欧洲和世界画坛，掀开了西方现代绘画史上崭新的一页。一百多年以后，尽管现代艺术流派纷呈，印象派绘画对我们的艺术创作仍在产生不可估量的影响。作为印象派最具代表性的奠基人，莫奈当之无愧。他辛勤耕耘，不倦探索70年，为印象派的产生和发展奉献了毕生的精力。他为人类留下了两千多幅油画、五百多件素描。莫奈的艺术成就，为后人展现了无限宽广的探索发展空间，直到今天，他的作品无论在哪里展出都会引起轰动，受到人们狂热的崇拜。

宋画全集由浙江大学、浙江省文物局等单位承担的全面展示我国古代绘画艺术鼎盛时期巨大成就的大型典籍，是迄今最权威、最完整的宋画图像与文献集成，共8卷32册，收编海内外的宋画精品1500件左右，图文并茂，内容宏富，设计考究，反映了当今国际上中国古代绘画出版的最新成果和最高成就，填补了我国宋画整理汇编的历史空白，开创了中国绘画历史大型断代集成的先河。 征集图片极其不易 宋画在中国绘画艺术发展史上具有独特地位。中国水墨山水和花鸟画的起源、山水画“皴”笔法的形成、梅兰竹菊入画以及墨竹的画法，均发端于五代而成熟于宋。宋画题材偏重于花鸟山水并与文学互通因缘，因此宋画又被称为我国“绘画的文学时期”和“文人画”形成时期。现存宋画分藏于北京故宫博物院、上海博物馆、辽宁省博物馆、台北故宫博物院和美国、日本等世界10多个国家的近200个公私收藏机构。以真实再现为目标，收集、整理这些散落于世界各地、完成于千年之前的宋代绘画，进而编辑出版《宋画全集》，困难可想而知。 负责编辑事务的浙江大学中国古代书画研究中心引进专门人才，通过运用现代学术成果与科技手段，对海内外存世宋画进行全面系统整理，反映了两宋300余年绘画发展历程的整体面貌，展示了宋画艺术博大精深的文化内涵，并通过汇聚中外文献中宋画研究的典型成果和鉴定意见，为进一步学习、借鉴与研究宋代绘画艺术提供了详备科学的基础性文献。 宋画存世稀少、流传分散、文物级别高，都是收藏机构的重宝。宋画在中国绘画史上处于全盛时期的地位，代表了中国绘画的高峰，不管在哪家博物馆收藏，都会把它视为镇馆之宝，不会轻易示人。因此，宋画图片资源的征集极其不易。仅以对拍摄底片的要求为例，在与日本的博物馆谈判时，对方对出版质量和保护版权方面就心存疑虑。看过出版方在其他博物馆拍摄的大底片后，对方才消除了在底片质量方面的顾虑。在防盗版方面，出版方也制订了严格的措施，真正做到每个环节都有人管理、有人监督，严格防止图像外流，获得对方的认可。为了最大限度地使作品的图像印刷达到真实展现原作原貌的标准，双方协商出了令人满意而切实可行的图像制作方案，成功地拍摄到了最接近原作的底片。 征集世界200家左右博物馆收藏的宋画，不可能一帆风顺。《宋画全集》不可能等收齐全部藏品再出版，只能成熟一部分出版一部分。个别暂时尚难合作的博物馆看到已经出版的《宋画全集》部分卷帙后，相信也会逐渐消除顾虑、转变态度。一时未能入编的宋画，以后可采取补编的形式纳入《宋画全集》。目前，《宋画全集》已经入编存世宋画的98%以上。 印刷装帧精益求精 图片收集之后，就进入了印刷阶段。《宋画全集》在编辑上充分体现入编作品的整体与细节，通过整体图、原大图和局部放大图3个层次进行展示，并采用当前世界的先进技术进行10微米调频网制版，6色印刷。在确定用什么纸张印刷时，《宋画全集》编委会又颇费周折。他们选择了几十种纸张印刷同一图像，然后经专家评选共同选择了从德国进口的一种具有卓越色彩还原能力和独特手感的高质量纸张进口纸，认为它印出来的效果最逼真。美中不足的是，这种纸由于质地异常细密，油墨印上去后有些反光。出版单位特意将德国纸厂的销售总监请到杭州，当面听取意见，采用无光油墨印刷，解决反光问题，提高印刷质量，使图像制作和印刷表现得尽可能地细腻，最大限度地接近宋画原作的笔墨神韵。经过检测，这种纸张的上墨量达到了380%，即在四色印刷时，也就是红黄青黑同时以95%的浓度印刷时，网点尚能非常清晰，数值远高于其他纸张。 高质量的纸张却给装帧带来了难题。承印《宋画全集》的杭州影天印业做过比较，在高倍放大镜下放大到180倍时，这种纸张还是显得非常平整，而其他纸张已经是凹凸不堪了。这么光滑的纸张，胶水渗透不进去，自然就粘不牢了，即使是德国汉高公司的高档胶水，也粘不牢。为此，汉高公司针对这种纸张的特性多次开发胶水配方，虽然有了很大的突破，但依然没有达到要求，当图书翻到第50遍的时候，书脊出现脱胶。最后出版方采用细砂纸细心打磨书脊锁线部位，使其变得粗糙，这个办法果然奏效，翻到数百遍时，书脊仍然纹丝不动。 本书装帧 精装版封面包装材料采用国内最大的丝织工艺品生产经营企业“中华老字号”杭州都锦生定制的锦罗缎真丝面料。珍藏版采用传统形制与工艺的红木书盒，经过八十多道工序精制而成。

《彰显生命力:动态素描解析(第2版)》全面剖析如何刻画具有动感及生命力的速写作品。全书向读者细致地展现了如何在速写作品的创作过程中，认真体验模特的真实感，感受被临摹物体的力量感，以及在不同的场合、面对不同的对象时应该采用什么不同的手段进行速写。读者可以通过书中丰富而精彩的示例及简明的指导，学会如何在自己的作品中捕捉生活中的活力。 《彰显生命力:动态素描解析(第2版)》可供正在从事相关专业学习的学生参考使用，也可作为有一定创作经验的相关从业人员的指导用书。

《丰子恺漫画精品集》作者 丰子恺，因于1924年发表第一幅漫画《人散后，一钩新月天如水》，成为将“漫画”引入中国的第一人。丰子恺一生有文学、音乐、书法、艺术理论等方面的著作150余种传世，其中出版漫画集约50本，是一位在多方面卓有成就的文艺大师。他的漫画风格鲜明，笔调高古，通俗易懂，生活气息浓郁，又不失诗情画意，雅俗共赏，深受人们喜爱。

《护生画集》是丰子恺先生漫画风格的代表作品。遵弘一法师嘱，从1929年弘一法师50岁起，每十年作一集，各为50幅，60幅，70幅，80幅，90幅和100幅，与弘一法师年龄同长。这部画集从开始作画到全部完成，长达46年。 画集共450幅作品。由丰子恺先生作画，第一、二集的文字为弘一法师书写，第三集为叶恭绰书写，朱幼兰书写第四和第六集、虞愚书写第五集。画集除了采用古文、古诗词中的句子、弘一大师所撰的诗文之外，其余为子恺先生所作。画集中特别收入马一浮亲笔书写、夏丏尊撰写的推荐序言。 所谓“护生”，实际是在“护心”，要“去除残忍心，长养慈悲心，然后拿此心来待人处世”，这种爱生敬养的思想对现世亦有一定的积极意义。《护生画集》是佛教界、文艺界诸位先贤、大师们绝世合作的结晶，堪称艺术文化之精品，其意义早已超出佛学，在诗、文、书、画等方面都有其特殊的艺术地位。本次出版该书意在回归丰子恺先生在世时该书的原貌，除了主要创制者是丰子恺先生和弘一法师外，题字之人均为《护生画集》创作初期的名人、老书法家：朱幼兰、虞愚、叶恭绰，不再沿用现代人重新题字的版本，封面也使用了原汁原味的“莲池沸腾状”，与30多年前《护生画集》初版时一致。本版还特别收入国学大家马一浮的书法题辞，并且将丰一吟女士最新撰写的关于《护生画集》的介绍附于后，极具史料价值。

《凡·高:磨难中的热情》系“发现之旅”丛书之一，是继我社已出版的《毕加索》、《罗丹》等之后的又一本画家传记。凡高是继伦勃朗之后荷兰最伟大的具有世界性影响的画家，是后期印象派的三大巨匠之一。其艺术对现代绘画影响甚大，特别对表现主义影响更深远。凡高生前并不出名，到20世纪初叶才声誉日隆，至今不衰。其主要作品有《向日葵》、《鸢尾花》、《吃土豆的人们》、《星夜》、《邮递员鲁兰》、《自画像》等。

本书德文本初版于1925年，英译本初版于1953年。此后不断被译成各种文字，流布全世界。时至今日，该书仍是美术教育家们的权威性参考书籍。 本书从相互缠绕的线条这样简单的现象开始，引导读者逐渐加深对确定的结构平面、尺寸、平衡和运动的理解。但是克利并不采用纯抽象的表现方式。学生仍然处于熟悉的世界当中——通过克利简单、流畅的图画及精确的图文说明直接体现，熟悉的世界被赋予了新的意义。棋盘，骨骼，肌肉，心脏，水车，植物，铁轨枕木，走钢丝的人——这些都成为包豪斯学院43个设计课程的实例。 中央美院周至禹教授作序推荐。 美术并不重视人们已经看到的东西，而是通过创造使人们看到事物。 ——[德]保罗•克利 我被颜色所主宰，我不需要去抓住它，颜色永远控制着我……这是幸福时刻的感受，颜色和我已经合为一体…… ——[德]保罗•克利 包豪斯经典译丛（Bauhaus Series） 《艺术中的精神》 [俄] 康定斯基 著 《点线面》 [俄] 康定斯基 著 《艺术与艺术家论》 [俄] 康定斯基 著 《克利与他的教学笔记》 [德] 保罗•克利 著 《克利的日记》 [德] 保罗•克利 著 《色彩构成》 [美]约瑟夫•阿尔伯斯 著

Perspective creates a sense of space, depth, and the third dimension within the limitations of the flat drawing surface. This unusually comprehensive handbook integrates extensive text with hundreds of labeled drawings and diagrams; each page covers a fundamental principle and includes relevant constructions. All aspects of perspective drawing are discussed, from diminution, foreshortening and convergence to distortion, measurement, and shade and shadow effects. Essential concepts such as horizon line, vanishing point, cone of vision, and picture plane are explained theoretically and illustrated in practical contexts, using both mechanical and freehand sketching techniques. With its step–by–step presentation of professional working methods and practices, Perspective Drawing Handbook is an essential text and reference for fine and commercial artists, architects, engineers, and interior and industrial designers. --This text refers to an out of print or unavailable edition of this title.

这本书共一百个小节。从十五世纪的文艺复兴开始，到二十世纪的超现实主义绘画结束。每一个小节都以一幅画为主题。有时候，拉上别的画作比 ——同期的或者同流派的——能更充分地理解主题画的渊源或背景，它们之间的互相对照，就像主菜配菜一样，似比单一品尝滋味醇厚。这样，全书就共收入了274幅画作。其中绝大多数都是油画作品，只有极少数的雕塑、壁画和水彩画。

莫奈，为数众多的肖像画至今仍保存完好——自画像，他的朋友们的画伯，摄影家卡雅和纳达尔的摄影作品——这一切均再现了莫奈生平各个时期的创作特点。许多有关莫奈外貌的文字描述也留传给了我们，尤其在他成了名，并为评论家们及记者们寄予厚望之后。

没有哪位画家能像克劳德·莫奈那样如此成功地展现潜藏在人们内心深处的色彩世界。他那神秘莫测的想象力竟能洞穿人的潜意识，激发我们去探寻心灵的奥秘。他那富于激情、谜一样内敛隐晦的画作，足以让生活在21世纪的人们深省。《克劳德·莫奈》收入莫奈的名作《日出·印象》《麦草垛》及许多不为世人熟知的作品，是收录莫奈作品最为丰富的画集之一。

《达利画传》主要内容包括：作为一名艺朮家，在艺术世界和理想王国里，达利留下的足迹跨越时空的洗礼，跋涉于宽广的领域，加上他那戏剧化的外形装扮以及行为方式，已经让我们无法将任何一个达利拆解出来单一的进行简单的评说。他的创作亦如他的人生，梦幻与现实之间难以分辨出真实的本质。他用自己的人生挑战世间的束缚，并用不懈的努力证实自己的天才；他用轻蒽戏虐的态度面对世人裴扮自己，却又无限的深情挚爱着加拉；他用有限的生命游历无限的艺术长河，带来了超越常人的无数创造。

穆夏生于捷克南部的莫拉维亚，是20世纪初叶巴黎流行的“新艺术”的代表画家，穆夏的绘画，在富有华丽装饰美的甜俗优雅的表象里，蕴藏着升华人性的精神旨归。他的新艺术美女海报绘画，在20世纪初期即闻名欧美，穆夏晚期的作品，无论油画、粉彩、素描，更是自由奔放，造型优美精致，引人入胜。因战祸频繁，穆夏成为浪迹各地的波西米亚艺术家。晚年，在爱国心的驱使下他回归祖国，并完成“斯拉夫史诗”系列20幅联作，谨以此献给捷克人民。 本书收录了穆夏美术插画作品若干，供美术爱好者欣赏。

Gustav Klimt's unique style combines sensuality, realism, and spirituality to make his work recognizable and among the most popular in the history of art. His primary focus on women has led to the most ethereal portraits and murals ever produced. The text explores Vienna at the turn of the century and Klimt's importance in its society and within the context of the modern art movement. 60 + color illustrations, faithfully reproduced.

达·芬奇（1452-1519），生于意大利佛罗伦萨城附近的芬奇镇上。父亲是当地有名的公证人，家庭富有。达·芬奇从小就表现出了绘画天赋，他画的小动物惟妙惟肖，于是父亲就把他送到好友，著名画家和雕刻家佛罗基阿的画坊当学徒。 达·芬奇来到画坊以后，老师佛罗基阿就拿来一个鸡蛋让他画，达·芬奇很快就画了几张，可是老师让他继续画，一连几天都是如此。达·芬奇终于不耐烦了，认为教师小瞧了他，让他画这么简单的鸡蛋。教师看出了他的心思，意味深长地说：“这个蛋可不简单，世上没有两个完全相同的蛋，既使是同一个蛋，由于观察角度不同，光线不同，它的形状也不一样啊。” 达·芬奇恍然大悟，原来老师是为了培养他观察事物和把握形象的能力呀。从此以后，他废寝忘食地训练绘画基本功，学习各类艺术与科学知识，为他以后在绘画和其它方面取得卓著的成就，打下了坚实的基础。 在当时，绘画的选题和表现手法都受到封建教会的限制，但达·芬奇的思想不受其约束，崇尚解放、自由。１４７６年，佛罗基阿承担制作《基督受洗》这幅画，达·芬奇担当老师的助手。但是，老师所画的宗教人物墨守陈规，毫无生气。达·芬奇仅在画面一角画了一个侧面天使，然而却充满了人间灵性，显得活泼可爱，生动自然。两相比较，顿使老师所绘的人物相形见绌。倔强的老师一方面为学生的才华惊叹，一方面又自愧弗如，从此放下画笔，专心从事雕刻了。 达·芬奇一生在绘画上孜孜追求，为我们留下许多名垂千古的杰作。其中最著名的是《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》。 《最后的晚餐》是达·芬奇为米兰圣玛丽亚修道院食堂而作的壁画，取材于《圣经》中耶稣被他的门徒犹大出卖的故事。 在这幅作品中，达·芬奇精彩地刻画了当耶稣在晚餐上说出“你们中间有一个人出卖了我”这句话后，他的１２个门徒瞬间的表情。透过每个人不同的神态表情，你可以洞察到他们每人的性格和复杂心态。画面布局突出耶稣，门徒左右呼应。坐在中央的耶稣庄严肃穆，背景借明亮的窗户衬托出他的光明磊落。叛徒犹大处于画面最阴暗处，神色惊慌，喻示他心地龌龊丑恶，与耶稣形成鲜明对照。 在这幅画里，达·芬奇用现实主义的手法讴歌了真理与正义，鞭挞了叛徒的行为与邪恶势力。 为创作这幅画，达·芬奇付出了惊人的劳动。为准确刻画犹大这个人物，他到各种场合观察罪犯、流氓和赌徒，反复揣摸他们的心态、神态和形态，并画了大量的速写，直到画出他满意的形象。这幅画的巨大成功致使以后的画家没人敢再涉足这个题材。 《蒙娜丽萨》这幅肖像画的原型是达·芬奇朋友的妻子。为作这幅画，达·芬奇先研究了她的心理，为保持她欢愉的心情还特别请来竖琴师和歌手为她表演。达·芬奇极其准确地捕捉到了蒙那丽莎一瞬那的迷人微笑，用精湛的笔触细致入微地描画了她微妙的心理活动。现在你看这幅画时，依然会感受到她的微笑所蕴含的摄人心魄的力量。 达·芬奇不仅是位成绩裴然的艺术家，还是一位多才多艺的科学家。在科学研究上他花了大量的时间和精力，取得了极大的成功。他深入地观察研究动物、植物、地质乃至人体本身。他还模彷鸟的翅膀，设计了一个类似飞机的飞行机械。他还设计了许多先进的纺车、高效率的机床、冲床，最早提出了地质学的概念，第一次正确、全面地描述了人体骨骼、肌肉和人体比例。他的科学实践为以后的科学家提供了思想的源泉。 由于达·芬奇的激进资产阶级人文主义政治观，使他受到封建宗教势力的长期迫害。１５１７年已是６５岁高龄的他，拖着病躯仍然被迫离开了祖国，侨居法国。两年后，这位艺术巨擎溘然长逝。

比亚兹莱命途多舛，生前身后都备受争议，但是无可否认：他精心雕琢的优美线条、强烈对比的黑白色块、凶恶美艳的致命女性、怪诞诡异的梦魇世界都对历史文化造成了深远的影响。本书首次以最大规模将比亚兹莱的作品集结，包括各个时期所创作的书籍插图、装帧和招贴海报设计、油画作品，以及习作、生前未能出版或出版时遭删削的作品（删削版和未删削版进行对比），各种风格的代表作和当时引起轰动、争议的作品都有收录。同时配以精当的赏析文字，使您在欣赏作品的同时了解比亚兹莱的生活和艺术理念，从而更加贴近这位无匹的天才。

《伯里曼人体结构绘画教学》是一部大规模、全面的实用人体绘画指南。内容不仅包括所有的人体结构解剖学，而且还有对人体相关服饰的完整研究。画册中囊括了他毕生的素描作品，综合了他的六部著作，涵盖了伯里曼结构解剖体系的全部重要内容。

《红楼梦群芳图谱》讲述了：以树木花卉比喻女人，这是我国传统的审美意识。《红楼梦》里的大观园，既是女儿国，又是百花园、据统计，这里有名有姓的年青妇女有120余人，花草、树木、藤蔓共130多种，确乎可称洋洋大儿。但是，细心的读者一定可以觉察，曹雪芹既没有孤立地写花卉，也太有孤立地写人物，很多地方花是人的影子，人是花的代身，常常’‘庄周梦蝴蝶，蝴蝶梦庄周”，浑为一体。这其间，还包含于作者运用隐喻、影射和象征等手法，有些推背图式的暗示，正如金陵十二钗图、册中的判词和14支《红楼梦曲》，令人扑朔迷离，玩味猜测。举例来说，一大虚幻境中的“千红一窟”和“万艳同杯”，指的是仙花灵叶配制而成的香茗和醇酒么？不是的，正确的理解应该是“千红一哭”、“万艳同悲”，它们都是无数年青妇女血和泪的结晶。又如有名的“葬花词”，难道仅仅指理界落花么？当然也不是，它象征着理养少女们美丽的青春，埋葬林黛玉自身。再如第63回”寿怡红群芳开夜宴”，众人行酒小时各人抽到的花名签，包括题词和引用的一句旧诗，都是城语式的，或形容这个人物的容貌性格，或暗示她的命运归宿，或透露故事的情节发展，或联系某一生活细节。由此可见，曹雪芹在写《红楼梦》时，对其中大部分的女主角，都作了花卉的比喻，从而使大观国花团锦簇，色彩斑斓，呈现出一派百花齐放、群芳争妍的景象。 第63回中所提示的芙蓉型的黛玉，牡丹型的宝钗，梅花型的李纨，杏花型的探春，海棠型的湘云，荼蘑型的房月，并蒂花型的香菱，以及桃花型的袭人；这都有曹雪芹的原文可作依据。我们只要循着作者的思路，钩稽事实，说明问题，就可以了。可先除此以外的人物，如何以花作比拟，那就要独立思考，各抒己见了。我曾撰写《红楼梦群芳图谱》（天津杨柳青画社出版）一书，除了对上述8人作些解释外，还另选22人，一一以花喻之。她们是：梨花一妙玉；罂粟花——王熙凤；杜鹃——紫鹃；昙花——贾元春：虞美人——尤三姐；牵牛花——巧姐；迎春花——贾迎春；曼陀罗——贾惜春；莲花一一晴雯；蔷薇——龄官；水仙——金钏：女贞——鸳鸯；芍药——薛宝琴；凤仙花——平儿；樱花——尤二姐；兰花——邢岫烟；含笑花——小红；朱顶红——司棋；野玫瑰——芳官：凌霄花——娇杏；仙客来——秦可卿；夫妻蕙—蕙香。 当然．它任何比喻都是蹩脚的。我不能保证这些比喻都能得到读者的赞同。更何况，《红楼梦》中的人物都是立体的雕塑像，由于视角不同完全可以作出歧异的评价。但我认为，只要绳之以文，作细心的揣测，就比较有希望接近作者原来的构思和寓意。比如以牵牛花比喻巧姐，不但因为巧姐生于七夕，又赖刘姥姥取名，而且还有脂砚斋的批语提供线索和金陵十二钗正册的美人纺织图可以佐证，预示巧姐在贾府衰败之后与板儿成婚，过着男耕女织的农村生活，所以牵牛花非她莫属。又如以蔷薇花比喻龄官，也可以从龄官热恋贾蔷，并在蔷薇花架下划“蔷”字中找到根据．与蔷薇花“附墙而生”的特性相吻合。再如以水仙比喻金钏，一方面由于金驯投水自尽。另方面还由于贾宝玉到水仙庵去奠祭，看到洛神像而出神流泪，说明作者有意识地把水仙和金钏联系在一起。凡此种种，足以证明作者的寓意是值得探索，可以探索的。 需要声明的是，《红楼梦群芳图谱》并不是对《红楼梦》人物立传，作全面评价，也不是从植物学的角度介绍花卉知识。它只是在这两者之间寻求内在联系和交叉点，有些地方还只取一端，不及其余。

亨利·马蒂斯在20世纪初的艺术界发动了一次划时代的革命。他在作品中使用了更抽象和更加浓烈的色彩，使世人相信颜色不仅可以描绘物体，更能够表达感情。简约粗犷的形体塑造、凝练的色彩运用震惊了艺术界，艺术评论家称其为“野兽派”。马蒂斯是20世纪现代艺术中最受瞩目的画家之一，本书涵盖了画家漫长艺术生涯中各个时期的经典作品。

这本艺术论成书于罗丹晚年，其中有他对于艺术创作一般性问题的见解，也有对于雕塑艺术的规律性的经验谈；有对于历史上的美术家的评述，也有对于当时创作的议论。它集中反映罗丹艺术观和美学思想，是对近代西方艺术世界有着深远影响的名著。