《戏剧艺术十五讲》是在大学戏剧课程讲义基础上整理而成的，从理论、历史、实践三个“维度”上讲授戏剧艺术的基本理论与相关知识。既注重知识性、趣味性、普及性，又不忽视学科前沿的重要问题；既追求尽可能通俗化的表达方式，又保持着学术性、系统性的特征和语言风格。同时，作者尽力将古今中外戏剧艺术融为一体进行开放性、多元化的阐述，并将最新研究成果“糅”进质朴的叙述之中，以帮助读者提高自身的人文素养，提高戏剧审美以至戏剧创作的水平。

「集体即兴创作」是欧美剧场近五十年来最为特殊的现象之一，许多大师级的剧场导演，多尝试以集体即兴为创作新剧的主要手段和方法。其中，约瑟夫．柴金（Joseph Chaikin，1935—2003——疯子XX注）一手创建的「开放剧场」（The Open Theater）可谓最负盛名。柴金带领开放剧场，利用「非语言」的即兴方式，寻找戏剧的意象与行动，在无剧本亦无表演蓝图的原点上，创造出独特的演出形式与风格。 本书深度剖析「开放剧场」是如何在约瑟夫．柴金的领导下，创发出三部前所未见的作品：《巨蟒》（The Serpent）、《终站》（Terminal）与《夜游》（Night Walk）。 第一章探讨1960年代集体即兴创作风潮兴起的成因、开放剧场创立之历史脉络及其兴衰史。第二章侧重分析柴金的剧场美学，诸如：开放式对抗闭锁式、多音书写对抗单音书写、肢体对抗心智、转换型导演之特征等。第三章重点剖析《巨蟒》一剧的原始仪典视听美学、音乐和声音、舞谱式的表演文本等之创发过程。第四章与第五章分别探讨柴金及其团员如何从即兴爵士、哑剧、哑仿剧、说书等表演风格中攫取灵感，创发出《终站》与《夜游》两部作品独特的演出风格。第六章则探讨像开放剧场这样的集体即兴剧团，其特殊的创作困难和无法长久经营之理由为何。 本书不仅是了解集体即兴创作最佳的途径之一：包含肢体与声音的极限实验、文本创发的过程、意象式的表演等，更是一本领略欧美前卫剧场精华的入门书，拥读它，你就会穿越时空，进入前卫剧场极盛时期的历史与创作现场，与大师们一起享受集体即兴创作的过程与乐趣。

我現在努力所做的，就是在劇場的脈絡下恢復完整的人類身體。 我們必須將這些曾經被「肢解」的身體功能重組回來， 恢復它的感知能力、表現力以及蘊藏在人類身體的力量。 如此，我們才能擁有一個有文化的文明。 《文化就是身體》所收錄的文章，是鈴木忠志親自為台灣的讀者從他的著作《Culture is the Body》及《演出家 の仕事》中擷取菁華，結集而成，並於書後收錄大師在台灣與莘莘學子的一篇對談「全球化浪潮下，新世代 藝術家應有的使命」。在本書中鈴木詳細闡述了「戲劇」於現代社會中存在的意義，以及他的理念架構與 演員訓練方法。 最近少年殺人事件頻頻發生。但我認為問題不在情感，而是身體記憶，以及以身體記憶為基礎的對於他者的 想像力。如果無法想像被殺的那個人的痛與苦，對於殺人的抗拒力就會減弱。 透過戲劇的途徑，現代戲劇教給我們的是觀看人的方法。在一個人言行的背後，到底存在著什麼理由，去分 析他們的心理或者感情，然後告訴你，說你也可能像他們，或者說你千萬不要成為像這樣的人，將這樣的 訊息傳達給觀眾。 此外，鈴木忠志也提出關於「動物性能源」（animal-energy）的思考觀點。當「非動物性能源」被使用得越來 越普遍，相對的「動物性能源」就會被壓抑，人與人之間的關係也變得疏離隔閡。而劇場，變成最後、也是 唯一可以喚醒「動物性能源」的地方。 當代社會受到市場經濟與數位溝通的影響甚鉅，社會公共秩序的規則也隨之改變。這兩種系統皆有其清楚的 目的與價值體系，並且形塑了一個以「非動物性能源」為基礎的當代社會，因而較少運用人類本能中的視覺 感知來判斷個人的活動。我們越來越困難地使用五種感官的本能來認識彼此、一起活動，甚至培養更深入 密切的人際關係。 劇場本身就是一種溝通的形式，但在數位與經濟浪潮之下，很可能淪為次要的文化。然而劇場可是歷經兩千 年以上的環境改變而生存下來。此外，劇場也已被那些擁有最佳動物性能源、並視劇場為主要領域的人們所 維護與延續著。

悲剧的精神是一种正视人生苦难、反抗命运的捉弄、争取人生的自由的伟大而崇高的精神。悲剧是当代西方哲学、文艺学和心理学等不同学科的共同的热门话题。本书精选、翻译了现当代西方著名哲学家、文艺理论家、心理学家、艺术家和作家的论文共九篇。这些论文从各个不同的角度对悲剧的实质，对富于悲剧精神的人的品格以及悲剧艺术的特征等重要问题作了详尽论述，对现代世界的悲剧性的社会现象作了深刻剖析，对各个时期的悲剧杰作作了精辟分析。本书作为西方悲剧理论的精华荟萃，对悲剧研究者和广大爱好者来说，不失为一本具有较高参考价值的参考书。

观众的情感恰如一架天平，艺术家对情感的处置并无随心所欲的自由。应该看到，在舞台的前面开阔而黝黯的空间中，观众的情感正通过小心翼翼的衡秤而慢慢积聚。只有恭敬地敏感于这个巨大的情感实体的存在，它才有可能给舞台以共鸣。 《观众心理美学》从观众心理角度来阐述戏剧艺术的随笔著作，用散文的笔调对戏剧学乃至心理学也都作了生动的解读。 《观众心理美学》由余秋雨编著。

《西欧戏剧史(套装上下册)》主要内容简介：十七世纪的戏剧、十八世纪的戏剧、十九世纪前期的戏剧、十九世纪后期至二十世纪初期的戏剧、二十世纪前期意大利戏剧、表现主义戏剧、超现实主义戏剧、二十世纪前期西班牙戏剧、二十世纪前期英国戏剧等。

汉堡剧评，ISBN：9787532728619，作者：（德）莱辛（Gotthold Ephraim Lessing）著；张黎译

这是法国戏剧大师阿尔托论述戏剧的经典文集，其中包括论文、讲座、宣言及信件。他在该书中提倡戏剧应该是残酷的，应该表现生的欲望、宇宙的严峻以及无法改变的必然性。戏剧的功力应该是使观众入戏，观众不应是外在的冷漠的观赏者，舞台应予观众融为一体。他的戏剧主张对现代戏剧产生了巨大的影响。同时，他这本书提出的生活的残酷性理论，使其影响又远远超越了戏剧这一狭窄的领域。

《导演学基础教程》是为导演专业本科编写的基础理论教材。导演学基础理论讲授将与导演专业创作实践配合进行。《导演学基础教程》从方法论角度切入研究课题，虽然仅涉及到导演学的基础理论，但是导演学是一门呈螺旋形的学科，在基础理论讨论中阐述的一些专门命题，诸如“行动”、“二度创作”、“综合艺术”、“调度”、“音乐·音响”、“节奏与气氛”等等，还将在导演艺术创作论中展开更深入也更广泛的讨论。

《戏剧的味/道》是我多年来在戏剧这个领域里看戏、读剧、教戏、跟中外戏剧工作者交流心得的“笔记”或“随笔”。《戏剧的味／道》可分为四部分，就是：一、品尝剧文的趣味——伴你开启二度空间的戏剧文学之门、径，寻幽探胜。 二、问津剧场的门道——告诉你如何走进编、导、演、设计、儿童剧场和教育戏剧的大门，如何分工合作创造三度空间的剧场。 三、探索剧史的演变——简单探索中、西戏剧发展的“元（源）与变”。 四、挑战剧话的思辨——一些个人的“偏见”和疑问，提出来供大家共同思考。 或许，《戏剧的味/道》也可以叫做“剧本、剧场、剧史、剧话”的“导游手册”或“小丛书”吧。读者可以用“自助旅行”的方式，随兴自选“景点”，例如如果你对某部分不感兴趣，可以跳过，有兴趣时回头再看。此书与《戏剧欣赏》的最大不同不在加多了中、西戏剧发展的介绍，而是企图通过古今作品的比较来说明一些变迁的状态，以及几点个人在创作和审美方面的“偏见”或“痴人梦话”。

本书是建国以来第一部中国现代戏剧史专著，是国家重点科研项目之一、全书从19世纪末中国现代话剧产生写起，一直到新中国成立，系统阐述我国现代戏剧（主要是话剧）的产生及其沿革，从多方面总结了中国现代戏剧（特别是话剧文学）发展的历史规律，总结了一系列值得记取并令人深思的经验教训。书中对田汉、曹禺、夏衍等我国著名剧作家列有专章或专节进行介绍评述。本书有较高的学术价值，又是很好的现代文学史、现代戏剧史教科书。

《谭霈生文集》（六卷）汇集了谭教授的理论专著及部分评论、论文，计有二百多万字，为《论戏剧性》、《戏剧本体论》、《电影美学基础》、《世界名剧赏析》、《论文集Ⅰ》、《论文集Ⅱ》。《论戏剧性》自出版以来，一直深受广大剧作家、理论工作者的欢迎；《戏剧本体论》是谭霈生教授呕心沥血二十年的最新力作，其中所阐述的基本思想——“情境论”一经问世，便引起业界极大反响和关注；《论文集Ⅱ》收集了新时期以来著者发表在报刊杂志上的部分评论、论文。通过这些文章，读者不但可以更深入地了解谭教授的思想，并可从中了解当代中国戏剧的诸多现状。观点交锋、思潮流变，可视为当代戏剧史上的重要文献。

《剧作法》无论从哪方面来说都是一本新问世之作。其中没有哪一个比较大的片断曾经发表过，尽管书中偶然在这儿或那儿曾经插进了：但愿插得还不算生硬，某些我往年发表过的文章中的零星段落和辞句。在举例时，我力求尽可能选用已出版的剧本，以便学者可以自行查阅和对照我提出的论点。我所以在那么许多例子中都引用莎士比亚和易卜生，原因之一就在于他们是一般人最容易接触到的剧作家。

荒诞说：从存在主义到荒诞派，ISBN：9787104004240，作者：（英）阿诺德·欣奇利夫（Arnold P.Hinchliffe）著；刘国彬译

“剧作家是生成的，而不是学成的。”这句常言承认剧作家至少要具备其他艺术家的一个条件，即天赋，但却企图否认他要受建筑家、画家、雕塑家、音乐家所应受的艺术教育。可是剧本审查者收到的剧本有两类：一类是写得还够格，但在主题和处理上去是老一套；一类是某些方面虽然新颖有趣，可又写的太糟，不能上演。“前几年，异常萨法奇先生在《文人》杂志上，以《剧作家的美国》为题写道：这个问题，审阅剧稿的导演和经理一致同意于否定的答复。在每天收到邮寄而来的剧本中，只有个别剧本里找得出若干实例可说明它对于编剧科学还有一点儿知识。几乎所有的剧本都显得极矫挨造作，非常缺乏称为人情味的物质。

时代是不断发展的，但是不论布莱希特的戏剧对于后日的影响如何，作用如何，作品本身是客观存在，改变不了的历史存在。一切对他的褒贬和争论总还得根据他的作品本身，而不是根据评论界对他一时的“热”或冷。本书是评论家卞之琳对布莱希特的《三分钱歌剧》、《措施》、《伽利略传》、《高加索灰阑记》剧作的客观研究评论成果。

《戏剧》(第6版)集中笔墨为我们描绘了现代戏剧的融合和流变以及当今剧坛的最新动态，最后单辟一章全面阐释了戏剧批评的理论与实践。作为最受欢迎的大学教材，《戏剧》(第6版)最大的特点就是"不像"教材——除了将普遍的专业及美学知识与丰富的历史细节和戏剧实践融为一体，最能打动人心的是作者深刻细腻的艺术感受和字里行间倾泻的艺术激情。翻开第一页，你将走进一个陌生而熟悉的戏剧世界。有谁比罗伯特·科恩博士更适合写作这样一《戏剧》(第6版)呢?科恩既是学养精深的学者，又是经验丰富的职业导演，还是著名的剧评家和出色的剧作家。他立足西方戏剧，同时深具世界眼光和人类意识。为了写作一部“能够跨越语言和国界，传达普遍的戏剧价值理念”的著作，科恩走遍了亚、非、拉、澳各大洲，考察戏剧历史，深人体验戏剧的不同形态；为了与最新的戏剧发展保持同步，二十多年来，《戏剧》(第6版)不断增订再版，成为当今美国最具权威和最受欢迎的大学戏剧教材和普通戏剧读本。