主題： 《筆紙中國畫》之現代語言與節奏 作者 馮禮慈 這是近幾年來，最佳中文出版著作之一。這是趙廣超著的《筆紙中國畫》。連同二○○○年趙廣超那本《不只中國木建築》，這兩本中國美藝書本，是近年中文出版界的傑作。 內容上，精。在設計和製作上的成績，可能更具突破性和建設性。《筆紙中國畫》，就是本講中國畫的書。正如《不只中國木建築》，就是本講中國建築的書。但《筆紙中國畫》，不是本我們見慣見熟的那種中國畫書，《筆紙中國畫》是本屬於這個時代的、給現代人看的中國畫書。 沒有甚麼甚麼王國維的一大堆傳統中國美學論，沒有一大堆綺麗繁縟的詞藻，沒有迂腐沉悶的編年史……《筆紙中國畫》以現代語言、現代人的節奏，配合隨意的、破碎的、抽樣的、靈感式的、散文式的寫法，寫對中國畫的一些欣賞和感觸。你嫌傳統論中國畫之書悶蛋難明？你怕迷失於冗長曲折的中國繪畫史的迂迴迴廊之中？那麼，《筆紙中國畫》就你。這是本給現代“潮人”讀的中國畫書。聽著HipHop、穿著波鞋者合讀。當然，趙廣超用這個零碎的、隨興之所至而寫的手法，會給人有點亂和跳接的感覺，這可以是缺點。但衡量過與傳統悶蛋寫法的各種得失，我還是會認為他這方法是值得選取的。到底是中文藝論寫法的一種現代化突破。 書中敘述並不止向縱直發展，而是有不少橫向的小資料，東一處、西一處彈出來。這是近代不少西洋寫作的表達方式。如彈出來的橫枝稍多，即會令讀者迷途及覺煩擾。《筆紙中國畫》尚算收斂得均勻，未至被分岔得令讀者不知所終，好險。很多時，要建立些新東西，少不免要冒點險。《筆紙中國畫》在寫作形式上，險，但還是勝了。 原載香港《星島日報》 (2003-10-27)

《篆刻学》初稿脱胎于作者三十年代在上海讲授金石篆刻的‘课徒稿’，几经修改补充，遂成此稿，作者在世时本拟再作校订修改，但因病逝，没有来得及完成这个愿望。现将原稿影印出版。原稿个别地方有钢笔写的补充，部分章节旁边有钢笔小注，是作者拟作修改而未及完成。‘炼刀法’一节，作者旁注‘应全删’，为保持遗著原稿本来面目，均未作更动，以供读者参考。原稿标点漏点近三分之一，图例、文字亦偶有错漏，均请邓散木先生家属邓国治同志校勘补齐。

The work of conceptual artist Sophie Calle embraces numerous media: photography, storytelling, film, and memoir, to name a few. Often controversial, Calle's projects explore issues of voyeurism, intimacy, and identity as she secretly investigates, reconstructs and documents the lives of strangers—whether she is inviting them to sleep in her bed, trailing them through a hotel, or following them through the city. Taking on multiple roles—detective, documentarian, behavioral scientist and diarist—Calle turns the interplay between life and art on its head. The book presents Calle's best-known works, including The Blind, No Sex Last Night, The Hotel, The Address Book and A Woman Vanishes, as well as lesser known and earlier projects that have largely escaped the public eye. The book also includes diary excerpts and video stills, along with three critical essays, a revealing interview with the artist and a dialogue with fellow artist Damien Hirst.

美术史家、美术评论家、著名书法家黄苗子先生，将他半个多世纪以来与美术界师友的往来见闻落成文字，论及三十余位艺坛精英，包括齐白石、张大千、徐悲鸿、黄宾虹、傅抱石、潘天寿、朱屺瞻、李可染、张光宇、叶浅子等。作者不拘体例地畅谈画家的生平、言行、艺术创作、生活轶闻，文字雅畅，描画了现代中国艺术化、发展、融合、流变中的鲜活面孔，呈现了盛名与巨制背后学期的艺术灵魂。不亲身经历这一历史时世，充分体验其中况味且深谙艺理人，难以记述得如此生动、精到。 　　作者在2000年初版基础上进行了大量修订，重写了有关启功先生一篇以为纪念，并增加有关梁白波女士一篇。插图亦做了精心增补，其中各位师友赠与作者的书画，并大量师友信札，均匀首次与读者见面。

在当代艺术领域，印象主义的代表人物克劳德•莫奈，依然十分耀眼。可是，作为一个艺术流派的代表，他的现实生活没有我们想象的那样美好。借钱对他来说是家常便饭，但是他坚持追求自己的梦想，没有放弃，直到最终取得了成功。本书收集了莫奈的两百多封艺术书简，几乎全部的画作，真实地展现了这位印象主义之王的真实内心，记录了他的悲伤、失意、高兴、绝望、振作的一生。

弗里达是墨西哥历史上最富传奇色彩的女性画家。 她一生磨难，曾接受过三十多次手术，人生大部分的时间都在床上度过，但依旧成绩斐然，作品价格更高居全球女画家之首； 她信仰共产主义，同时又吸毒、酗酒、双性恋，有着众多的男女情人和风流韵事； 她和她的丈夫相爱，却彼此不忠，过着互相伤害的生活； 她渴望重生又迷恋死亡，永远用挑衅的表情，掩盖着孤独而沉重的灵魂； •••••• 本书诠释了她支离破碎却又色彩斑斓的传奇一生。 你我都画不出像她这么好的自画像。——毕加索

這場哲學家與建築師對談的創舉，是由法國作者之家協與巴黎維列特建築學院所促成。這個原名為「都市步道橋」的計畫進行了六場會議，成為學院與非學院之間的重要事件。本書的主要內容文脈就是尚˙布希亞與尚˙努維勒在會談中所進行的對話。 將對談付梓出版的想法出現後，作者便根據所進行的討論主題，及個人關於這些課題的全盤思考，重新將對談內容作深入的增改，以期尋求建築上的解決方案，或說切近建築最為基進而必要的未完成志業：獨特性。 何謂獨特物件？一種無法替代的奇特事物、一顆隕石或說集聚於一點上的絕對。可能是一個想法、一棟房子、一種顏色、感情或一個人。但獨特性總是使得事物置身險境。面對今天文化的媒體化與世界化、價值的折衷，面對思考只剩下零散意見的庸俗化現象，哪裡還能找得到獨特物件（獨創的建築）？如何界定、創造、保護、識別出這些物件？圍繞著尚˙努維勒與尚˙布希亞兩人關於這個課題的對話，還觸及到了其他往後幾年可能遭遇的一些根本問題。他們想像著明日之城將會是什麼樣子，同時自問為何透明的理型會慢慢地滲透到從政治一直到建築等等不同界域。最後，他們則討論到自由的困難。 所以，這是一本關於獨特性的評論，豐富了他們兩人各自的作品與研究。而且它也同時作為一種倫理學。面對眼前的巨大變動，這無疑是一份精采而熱情的文本。

How do we see the world around us? The Penguin on Design series includes the works of creative thinkers whose writings on art, design and the media have changed our vision forever. "Seeing comes before words. The child looks and recognizes before it can speak." "But there is also another sense in which seeing comes before words. It is seeing which establishes our place in the surrounding world; we explain that world with words, but word can never undo the fact that we are surrounded by it. The relation between what we see and what we know is never settled." John Berger's Ways of Seeing is one of the most stimulating and influential books on art in any language. First published in 1972, it was based on the BBC television series about which the (London) Sunday Times critic commented: "This is an eye-opener in more ways than one: by concentrating on how we look at paintings... he will almost certainly change the way you look at pictures." By now he has.

失戀越糟糕，藝術越完美 Douleur exquise，一個無法翻譯的法文詞彙。 在醫學上，指局部的劇烈疼痛。 在情感上，指失去一個人，或明知愛一個人而不可得，卻仍無法割捨，無時無刻不渴望待在對方身旁的椎心之痛。 視覺藝術通常無法像文學或電影那樣，激起觀者強烈的情感及共嗚，法國藝術家蘇菲．卡爾的作品卻是例外。她以攝影與文字敘事並行的手法，從個人的生命經歷出發，剖析現代人的脆弱、親密感與自我認同，開創了一種描述人類感情的新形式，被譽為「將個人私密性推向藝術高度的操控大師」。 蘇菲．卡爾自曾述：「在我的作品中，最重要的是文字，然而，影像卻是一切的開端。」 在這部《極度疼痛》中，她將自己及別人生命中最劇烈的傷痛經驗扒開、晾曬，既拍出自己失戀之痛的所有證據，也把她的失戀故事重述了三十六遍，同時也請三十六人講出生命中最痛苦的一刻。 在一次次的重述與聆聽中，她的話越來越短，字跡越來淡，心境也從炙烈的痛苦慢慢冷卻，直到漫不在乎。幾乎如同文體練習般，她在書籍的左頁上演了由深至淡的三十六種悲傷心境，而書籍的右頁，卻在一則則新加入的故事中，構成越來越龐大的劇痛，而讀者也在一頁頁的翻動中，參與了這場集體驅魔。 藝術家將二十年前的一場心碎分手，變成一部詩意、動人，甚至帶著幽默的藝術作品。這既是一場藝術演出，也是女性以精神及想像克服傷痛的計謀。 全書分三部分。第一部分「疼痛發生前」是作者搭火車從巴黎一路經西伯利亞到北京、上海、香港，再搭船抵達日本的遊記，以照片為主⻆，構成一部思念情人的記憶拼圖。第二部分「痛苦發生時」，期待了九十二天的相會落空，一通簡短的電話宣告情人的分手，而客房中的一切，包括那部紅色的電話，也構成了作者痛苦的框架，在之後如影隨形。第三部分「痛苦發生後」是本書最重要的精神旅程，作者終於在三十六次的重述和三十六次的聆聽中，完成了痛苦的淨化。 名人推薦 黃亞紀、徐堰鈴、聶永真 重要事件 莎士比亞的姊妹劇團以本書為藍本，於2013年推出舞台劇《不在．致蘇菲卡爾》，在法國外亞維儂藝術節三周連演二十一場，挾國外好評回台連演二十六場。

本书是丘琼荪治音乐学的遗作。作者长期从事物理学与乐律学的教学与研究，又深谙中国传统古黄词曲艺术。本书以日本学者《隋唐燕乐调研究》一书为出发点，以历史上燕乐调上诸种问题为研究对象，对每个问题都有独立思考，记录自己的心得。如果对燕乐二十八调的考索，一般学者都认为出于西域曲项琵琶，而本书作者则认为出于中土西传的直项琵琶。也就是说，作者不认为燕乐二十八调出于印度音乐，而是出于中土传统清乐。书中类似的出人意表的结论比比皆是。因此本书是燕乐研究史上的重要学术著作。

《佛像解说(第2版)(全彩)》内容简介：德国的民族学学者、艺术史专家吴黎熙的《佛像解说》，以简洁的文字、丰富的史料，论述了佛像艺术的发生和发展，佛像艺术的种类、艺术流派的艺术风格，佛像的铸造及绘画的制作工艺和所用材质的分析，古代印度、西方罗马和中国的艺术风格对佛像艺术的影响。作者从西方博物馆和私人的收藏中甄选了152种佛像艺术作品，并对这些佛像的教义内涵、艺术特点、流派风格作了学术性的解说，逐个注明了时代和产地，这和前面史论性的文字互为补充，构成了一部佛像艺术简史。

《西方艺术事典》具有以下特点：工具性——近1200个条目，讲述西方绘画艺术主题和象征形象按照汉语拼音顺序编排，附有英汉条目对照表和索引，便于查阅行文中条目相互引介，各条目于独立之中又相互融通，内容严谨且浑然一体语言简明生动，以最少的语言传递最丰富的信息。 专业性——独辟蹊径，着眼于西方艺术主题及其来源，揭示画面中的故事理解和欣赏西方绘画艺术的内涵，提高审美趣味目前为止国内出版的惟一一部阐释西方艺术主题和象征形象的词典。 通俗性——文明与艺术交互印证，艺术主题来源于古希腊罗马的神话传说和《圣经》等宗教典籍，而艺术作品又使后者具有了永恒的生命力不仅为艺术专业人士案头必备，也可供文学爱好者和业余艺术爱好者阅读。 欣赏性——一改以图示文、文主图辅的传统艺术辞书编排之法，以图片之数量、选择、质量和大小，来加强图片的欣赏性，还艺术辞书以真正艺术性。800余幅美术名作插图，对大部分词条进行直观的图文对照体察不同艺术家对同一主题的不同理解和表现瞬间与永恒的辩证——每一幅作品都是瞬间的情感展现，而正缘于这瞬间美的激荡，艺术作品本身和古代文明都定格于永恒。

《西方建筑史》图文并茂，但它绝不是摆放整齐、贴有风格标签的展览馆。它从古典渊源审视整个西方建筑的长河，把整个建筑的历史看作是人类心灵的书写、智慧的凝冻和生命的延续。这一崭新的研究视角，为整个学科研究注入了勃勃生机。 　　《西方建筑史》以800余幅生动的图片和60多万飞扬的文字，让人们享受到：古典与现代的交织，宗教与世俗的互映，力与美的和谐，灵与肉的律动……让人们沐浴在人类伟大创造的自豪中，体味美带给人的冲击和震撼。

《義大利文藝復興時代的文化》是歐洲文藝復興研究真正的奠基之作，也是開啟現代文化史研究寬闊視野最重要的史學名著。雖然本書出版至今已近一百五十年，仍是進入歐洲文化史與文藝復興史堂奧最經典的鉅作。 布氏從人之所以為人的角度，以及亂世中人性欲求無端氾濫的真實面，重新思考「權力」、「文化」與「信仰行為」的本質，相當鮮明地點出義大利文藝復興文化不是政治黃金時代的產物，而是在無止盡政治動盪裡，由具有高度創造力的文化菁英，與深切了解文化藝術重要性的有識之士合作打造出來的文化高峰。 過去華文世界雖已有本書譯本，但都是從其他外文轉譯而來，本譯注是第一本真正從原文（德文）翻譯過來的中譯本。本中譯本不僅譯文流暢，對原書文意掌握相當精確，譯注者也付出許多心力注解說明，幫助讀者更容易掌握布克哈特思想的精髓。譯注者所寫的導讀〈寫給故鄉的書〉文筆、內容均引人入勝，又深具學術價值，特別值得推薦。

42年前，日星鑄字行成立。鑄字機七恰、七恰的節奏聲就此在臺北後站響起，供應臺灣活字印刷廠的需求，文字得以出現在書籍雜誌等各種印刷品上，為人類的知識傳遞貢獻一分心力。這40年間，我們遇到了印刷技術的重大革命——平版印刷與電腦排版的技術逐漸取代了鉛字，也就是所謂的「鉛與火」讓路給「光與電」。活字印刷機、鑄字機開始從工廠裡消失，有些被毀棄，有些被放進博物館裡。我們平日看到的印刷物，雖然依然美麗，卻少了鉛字時代的那種觸感。即使如此，我們的鑄字機還是沒有停止。日星自我期許，即便虧損，只要臺灣還有活字印刷廠持續營運，日星就會一同努力，讓鑄字機的火持續燃燒。唯有如此，塑造臺灣文化歷史環節的活版印刷才有可能繼續讓人知道。 . 或許憑著這樣的堅持，日星的微光逐漸吸引許多人注意。民國96年開始，「蘑菇手帖」、「中國時報」等媒體報導；國際書展邀請設展，讓愛書人瞭解鉛字的歷史；岡部昌生及港千尋來此舉辦工作坊；我們因而知道，日星鑄字行是法國與日本都稱羨的奇蹟。許多設計人參與「活版字體復刻計畫」，為遺失字母的鉛字找回他們的母親，更讓一度失傳的字體，重新問世。過去滿是藍衣檢字工人的廠房，現在換上許多熱情的年輕人；蒙塵多年的鉛字，在你們的撫拭下，發出了光芒。 . 這本《昔字．惜字．習字》記載了臺灣活版印刷發展的歷史，還有近年來的再生過程，也分享了日星鑄字行近半個世紀的回憶；一張張充滿文字之美的照片，也捕捉到了我們保存鉛字的堅持與熱情。 . 書末附有「日星鑄字行初號楷體縮樣稿」，是我們字體普查的成果。這款字體約在民國十年至二○年代間製造，據考其字體為清朝進士書寫，再由專業工匠篆刻後，翻胎製成銅模，是欣賞此臺灣特有繁體中文楷體字的絕佳機會。 . 本書容獲行政院文化建設委員會文化資產總管理處籌備處協助。

《我与西藏组画》主要介绍了两次西藏行，相隔四年。头一回时在“文革”终点，《泪水洒满丰收田》与翌年那届全国美展，恐怕是1949年后苏联革命现实主义油画创作的最后一次集体展示。那年月，我像所有知青画家一样，竭力模仿国内名家堆叠厚颜料方笔触的苏式画法，瞧着宽袍大袖的西藏人，满脑子苏里柯夫或德加切夫。当我在布达拉宫西南侧劳动人民文化馆一问小屋子里瞧着画布，走近退远，自以为是个“苏联”革命画家。第二回去西藏，正当改革开放前夜，不但世道大变，我也见识增长，画画时拼命默诵库尔贝、勒帕日、柯罗、米勒的朴素画面，自以为是个“法国”古典画家。毕业作展出后，我曾在文稿中竭力陈述自己为什么以及怎样画出这些画，多年后我才恍然：所谓西藏组画只是1978年“法国乡村画展”来华展出后的私人效应，而当我在画展中梦游般踯躅不去，中学时代躲在上海阁楼临摹欧洲画片的记忆，倏忽复活了。

鉛筆、鋼珠筆、原子筆、簽字筆……只要帶著1枝筆和本子，走到哪畫到哪，讓生活和旅途中處處充滿手繪的驚奇！

《旅行的艺术》、《爱上浪漫》等畅销书作家，“英伦才子”阿兰•德波顿联手艺术史家约翰•阿姆斯特朗的最新著作《艺术的疗效》，回答了“艺术为什么”的问题。 以150幅经典的绘画、建筑和设计作品，以“爱情”、“自然”、“金钱”和“政治”为章节，以阿兰式的生动、机智，娓娓讲述了艺术如何帮助人们面对困难，如何与他人建立良好的关系，寻求幸福，从而安然面对人类最终的命运。 《艺术的疗效》旨在帮助我们加深对艺术的认识，从而更深刻地认识我们自己。无论对熟知艺术的人或对艺术的初学者来说，本书都将开启一段有趣的阅读之旅。