本书将带您认识一位世界艺术史中最特别的绘画奇才，他从事物的数学特性中发掘美，创造出空前绝后的奇妙之作，他打开您观看世界的第三只眼，促使您重新审视内心的既有观念，他像魔术师一般构造起不可能的世界，使我们乐于陶醉在视觉的“欺骗”中。

本书是著名哲学家李泽厚先生讨论中华传统美学的专著。本书从哲学角度论述了华夏文化强调理欲交融的非酒神型特征，从内部描述其发生、发展、变化的轨迹，为我们从新的角度阅读中国美学提供了有益的启示，为中国美学乃至世界美学作出了巨大的贡献，有很大的参考价值。

一般来说，中国艺术固然不同于西方那种细致模拟有限现实场景、故事的“再现”性的古典作品，也同样少有西方近代那种以强烈个性情感抒发为特征的“表现”性的作品。相对来说，中国作品中个性情感一般很不突出，大都是所谓“发乎情，止乎礼义”，它的情感表现中有比较具体和具象的自然的社会的再现内容，而它的这种再现具体现实又不离开情感的表达，这两者经常混同交融，合为一体。所以，华夏文艺及美学既不是“再现”，也不是“表现”，而是“陶冶性情”，即塑造情感，其根源则仍在这以“乐从和”为准则的远古传统。

什么是图像？图像与文字的关系如何？文字之外，图像如何传达思想和情感；图像之内，文字怎样佐助读图，塑造思想形象，这是古今中外众多文人学者试图解决的问题。本书建构的就是关于如何读图、解决图文之间张力的一种理论。 文学批评家W.J.T.米歇尔教授通过把形象与词语相比较，或更准确地说，通过从语言表达的角度看待形象而探讨了形象的本质。 作者以颠倒的历史顺序分别论述了四位理论家：古德曼、冈布里希、莱辛和埃德蒙•伯克。讨论了文本与形象、眼与耳、自然与习俗、空间与时间之间的结构差异。 他解决了冈布里希的著作所激起的争议，即是否存在着对自然的一种客观经验，以及与此相对应的，是否存在着现实图像的一种特权位置。卓越地分析了使现实主义艺术得以产生的特殊历史条件。 本书最迷人的成就是最后一章，分析了暗箱，将其作为卡尔•马克思著述中意识形态的隐喻。

《勋伯格:风格与创意》是一本关于现代音乐的重要文献。阿诺德·勋伯格以其非凡的智慧和其具有预见性的洞察力，使这本《勋伯格:风格与创意》成为吸引人们对复杂的二十世纪音乐历史产生浓厚兴趣的必不可少的原始资料。通过《勋伯格:风格与创意》你可以进入二十世纪最重要的作曲家的头脑，去理解、探究勋伯格本人和他的音乐，以及勋伯格对其他作曲家的研究、对艺术和整个世界的思考。

《艺术的背后:伽达默尔论艺术》主要内容：20世纪的哲学是以两部重要的著作作为其开端的，一是罗素的《数学原理》，一是胡塞尔的《逻辑研究》，它们都发表于1901年，预示和引领了20世纪两大哲学方向和理路：分析哲学和现象学，而它们的展开、交锋与对话构成了20世纪波澜壮阔的哲学运动图景。广义的现象学运动当然包括存在主义。而无论是分析哲学，还是现象学，在它们的演进过程中都显示了对语言问题的关注。语言承载和隐含着哲学的根本性问题。哲学继近代认识论转向之后实现了语言论转向。与此相应的是，按照解释学大师伽达默尔的看法，西方艺术也由表现的阶段发展到符号或艺术语言的阶段，在这一阶段，艺术形式更强调艺术符号或艺术语言之间的自我生成与重构，通过符号的重组，既表现艺术家的内心情感，又达到对客观事物的某种抽象和变形的模仿。它的杰出代表有毕加索和康定斯基。 20世纪中叶以后广泛传播开来的后现代主义正是艺术与哲学两个领域互动的结果。后现代哲学家，无论是福柯、利奥塔，还是德里达，他们追随他们精神上的先驱尼采和海德格尔，都对艺术给予了非同寻常的关切。这一关切产生了两方面的结果，一方面，他们从艺术作品中寻找到自己思想的灵感，另一方面，他们又以自己的思想和理论给当代艺术以广泛和深刻的影响。透过艺术作品，福柯看到了艺术品背后隐藏的不同时代的知识型和权力话语：利奥塔，通过对先锋艺术所蕴含的先锋精神的不懈探求，力求找到了一条抵抗技术奴役与非人状态的崇高之路：而德里达，更是视抽象派画家为自己思想的同路人。 编辑推荐 《艺术的背后:伽达默尔论艺术》将介绍：精神衰退时代的睿智的哲人——伽达默尔生平介绍 按照德国伟大的哲学家海德格尔的判断，自黑格尔哲学解体以来，西方精神就一直处于衰退之中，由于主体形而上学的进一步强化以及由此所带来的“技术座架”对自然和人类社会的严格控制，使得当代西方人已经没有能力对精神的原始的内在运动、对存在者之存在的始源的争执进行深入地反思和显现，或者用海德格尔的话来说，西方人已经没有能力再深入到“历史的一度”中。伽达默尔就是这个精神衰退时代在哲学上的卓越代表。伽达默尔保持了对真理的本体论的追求，为人类的生存获得某种意义的光照而找到了一条睿智的道路，因此，我们有理由认为伽达默尔是在精神衰退时代的睿智的哲人，是古希腊精神在当代的继承者和显现者。 汉斯-乔治•伽达默尔于1900年2月11日出生于德国马堡。他的父亲是一个药物化学家，在伽达默尔的自传中，他这样评价自己的父亲：“一个有影响的专家，一个自觉、重成绩和精明能干的人，他这个戏剧性地代表了那种主张对孩子威权教育的人的观点，既知道这是最坏的教育方式，也知道只有这种方式才能最好地贯彻教育宗旨。他是一个一心一意的自然科学家，但是兴趣又很广泛”。 他的父亲一心想让他成为一个自然科学家，但是伽达默尔本人在中学时代就形成了对文学、戏剧和艺术的浓厚的兴趣。1918年春，伽达默尔离开了故乡，开始了在布勒斯劳的大学生涯。据他自己说，当时他是一个“胆怯的、无可救药的、自我封闭的小家伙”。在1918年的欧洲，尼采和叔本华的哲学声誉正浓，当时的大学校园里不管男女老少都以读尼采和叔本华的书为荣，如果人们不知道尼采和叔本华，那将是一件很不可思议的事情。但是，当时的伽达默尔却完全不知道叔本华和尼采。一个哲学家的遭遇就是这么奇特。作为大学生的伽达默尔，把大量的精力都用在了文学和艺术上，他读到的第一本哲学书是康德的《纯粹理性批判》。据他本人讲，“尽管我通读了这《艺术的背后:伽达默尔论艺术》，但并没能够体会出来思想”。但是通过这《艺术的背后:伽达默尔论艺术》，伽达默尔开始了对哲学的兴趣。他参加了由三个新康德主义者组织的研讨班，虽然他的成绩很优秀，但他自己觉得没有什么收获，于是转学到马堡大学。 以往的艺术教育大多以一种艺术方式去理解文化，而问题在于我们是否能以一种文化史的方式去理解艺术，即我们应该打开或重建艺术背后的那部尘封已久的历史。

《占卜者之屋黄永砅回顾展》是“占卜者之屋：黄永砅回顾展”的展览主画册。该展览是北京尤伦斯当代艺术中心举办的关于黄永砅——这位出生于中国、工作于巴黎的艺术家的首个回顾展。黄永砅是中国当代艺术史上最重要的艺术家之一，身为厦门达达的领袖，黄永砅着迷于创造一种新的中国文化身份，他将西方现代主义潮流与中国的禅宗和道家思想乃至当代现实结合起来，不断与既定的历史与美学观念针锋相对。旅居法国后，黄永砅继续并深化着他的艺术创作。 全书分两部分：第一部分为本次展览所涉及所有黄永砅作品的图录及黄永砅的参展年表。第二部分为著名艺术评论家费大为、侯瀚如、菲利普•维赫涅关于黄永砅的论文，黄永砅1980－2003年的文章、笔记，黄永砅专门词汇表等内容。

本书包含Raqs媒体小组自己的三篇文章，以及由四位艺术批评家、艺术史学家和哲学家的写作，是关于这一印度艺术家组合的第一本中文书籍，重点论述了Raqs长期关注的多重时间性问题，集体创作和联合策展的意义，当代社会中劳动力的转型和潜能，以及如何用渗透的策略应对全球性的资本主义 状况。评论家梅蒂纳、博伊姆、内斯比特和陆兴华的文章分别对Raqs的影像作品《敲打时间》《时间胶囊》《积累的资本》等作了分析和解读。 推荐语： Raqs有许多含义。它是旋转舞的象征，是“少被问起的问题”的档案，也是波斯语和乌尔都语中的“舞蹈”。一切开始于捕捉我们时代的多样性的欲望，给世界一些东西以往前去的欲望。自1992年成立开始，Raqs发展出了如M理论般至少有10到11维的超弦实践。……Raqs是艺术家，电影工作者，媒体实践者，策展人，档案工作者，哲学家，研究者，编辑，出版人，教育者，社会行动者……Raqs的开创性工作持续地生产21世纪的风景。他们提供独特而总是出人意料的观察点，从而思考当下状况中骚动的焦虑，紧张的冲突和前所未有的机遇与希望。21世纪是一个RAQS世纪，而它才刚刚开始。 ——汉斯·乌尔里希·奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist，国际策展人） 在今天拥挤的当代艺术场域中，Raqs媒体小组是突出的先行者和重要的干预者。Raqs最显著的品质是他们能够不断地对艺术界的系统进行离奇的搅局。他们立足于民族主义和艺术市场的投机逻辑之外，为亚洲并为世界和我们的未来发出独特的声音。 ——拉维·桑达拉姆 (Ravi Sundaram，德里发展中社会研究中心高级研究员） 本书中的文字并非出自我们习以为常的个体作者之手，而是来自一个共同工作长达二十余年的艺术家组合，其写作的基础是日常的集体性观察和充满机锋的论辩。印度的古老智慧、当代哲学和媒体理论，被艺术家的敏感熔铸成一种独特的洞察力，使他们可以带着一种“脱现代”的激进与优雅，去创造性地探讨时间的过去与未来、现代性的神话与创造、资本主义的生产与消费、人的命运与解放。作为国际艺坛最具声望的艺术家组合，Raqs媒体小组以其敏锐的洞察与写作，展现了诗的智性力量以及艺术在当今世界的政治潜能。 ——高士明（中国美术学院跨媒体艺术学院院长） 与Raqs的合作是一次不断丰富和令人兴奋的经历。他们是循着伦理罗盘的磁力去寻找知识的人。他们好奇，具有良好的政治感觉，而且就像所有的视觉诗人一样，他们将我们带入新形式的视觉文学。他们的作品穿越地理和社会边界，永远用同无情的时间保持协调的节奏，抒情地浅吟低唱。 ——毕兰娜·卡瓦奇尼（Pieranna Cavalchini，伊莎贝拉·斯图亚特·卡登纳美术馆当代艺术策展人）

对于世界上那些最重要作曲家，人们心中大抵有些共识：巴赫、亨德尔、格鲁克、海顿、莫扎特、贝多芬……他们皆是音乐史所不能忽略的人物，都很重要，甚至都很“杰出”。但是——他们都“伟大”吗？如果答案是肯定的，那么，是什么造就了他们的伟大？如果否定，又是什么使他们不够伟大？他们伟大或不够伟大的原因相同吗？倘若揭晓了内在缘由，作曲家就能随心所欲变得伟大吗？……这一系列诘问将我们推入了一个引人入胜却又神秘莫测的知识漩涡当中，漩涡深处所通往的正是——伟大性的奥秘与真谛。 《音乐中的伟大性》作者阿尔弗雷德·爱因斯坦以学识渊博、视野开阔、考证深入、文思畅达著称，《音乐中的伟大性》全面展示了他那“令人敬畏的文学、哲学及治学天赋，并由此呈现了一系列聚焦于音乐本质的令人欣喜且富于洞见的评论”。

《当代美学/艺术馆》共七章，包括：传统美学——对于一些基本概念的回顾、20世纪初期美学的新挑战、美学的发展方向——第二次世界大战前后、现代性——后现代性和后前卫等。

在这个世界上，艺术有自己的力量，它在今天全球政治中发挥的力量和曾经冷战时期政治舞台上具有同样的力量。著名理论家鲍里斯·格洛伊斯提出：艺术几乎是无力的商品，受到艺术市场上接纳和排除命运的影响。在《艺术力》这本书中，格洛伊斯根据艺术意识形态的功能审视了现代和当代艺术。格洛伊斯写道：艺术品以两种方式生产并呈现在公众面前：作为商品的艺术和作为政治宣传工具的艺术。在当代艺术界里，作为政治宣传工具的艺术功能很少受到关注。 作者在论证在当代艺术话语中，接纳有政治目的的艺术时，他认为艺术在集权主义、社会主义和后共产主义统治下制作出来。他也认为：今天主流的西方艺术，在众多的国际展览、双年展和艺术节上，产生和展示出来，根据意识形态的宣传规则，他发现这样的行为越来越多。格洛伊斯论证：当代艺术通过直接反抗挪用偶像破坏的姿态来展示它的力量，同时通过图像和批判的图像定位。在《艺术力》中，作者审视了这种根本的挪用，现代艺术品中自相矛盾的作品生产出来。

《希腊美术模仿论》主要从美的人体、轮廓、线条角度展开分析，发掘人体美的概念与内容；作者十分看重艺术家创作的技法、绘画与寓意表达，关注艺术品本身的价值与内涵。总体看来，温克尔曼强调的是，希腊美术、雕塑呈现的是一种刚健有力、柔和优美的品位，内在地蕴涵一种生命和谐与有机整体的哲学。这对我们理解古典美学和艺术有深刻的启发。而译者和笺注者潘襎则为这一文章做了很好的解读，他不仅陈述了作者的思路与写作背景，而且发掘了文字背后的精神及其风格。而附录中对温克尔曼的解读，又帮助我们更深一层理解温克尔曼本人的思路、情怀及对现今研究的意义。

自20世纪50年代以降，运用分析哲学的方法来研究艺术问题兴盛一时，并且催生了大量的争论。在本书中，作者斯蒂芬·戴维斯描述、剖析了这一时期英美哲学界讨论的艺术定义问题。在进行描述、剖析时，他介绍了自己的研究视角，我们可以借助这一视角来调整自己的思考方向。 戴维斯认为，这场争论揭示了在艺术定义问题上功能主义和程式主义两种相互冲突的基本思路。这两种思路在“艺术是否可以定义”以及“如果艺术可以定义，那么如何进行定义”等问题上分歧重重。戴维斯注意到，功能主义者相信，只有在一个对象能够行使一种特定的功能（通常情况下是提供一种回报性的审美经验）时，它才是一件艺术作品。而程式主义者则认为，某物当且仅当是依照某些规则和程式而制作出来的，它才是一件艺术作品。戴维斯试图向我们揭示，通过这一框架来观照上述争论，将会是富有成效的；他也发展出一些不同于以上两种思路的新论点--当然，相比于程式主义，他对功能主义要更严苛一些。 由于莫里斯·韦兹的论文《理论在美学中的角色》催生了大量的研究文献，戴维斯一开始就集中讨论了韦兹的这篇创始性论文；继而，他检视了其他重要的论著，其中包括阿瑟·丹托、乔治·迪基以及本·提尔曼的论著。在这种批判性解读中，他就艺术作品的人造性、艺术作品与艺术家意图的关联等问题提出了自己原创性的观点。

作者主要从艺术社会学的角度探讨了有关艺术史的许多重要问题：如艺术社会学的范围和界限；艺术史的意识概念；心理分析和艺术；艺术史中的冲突力量；独创性和习俗等。作者对这些问题作了辩证的分析，对艺术作为“意识形态”有独到见解，对风格概念作了深入阐释。全书涉及到趣味变迁史，审美观念史和文艺思潮史，都具有较丰满的历史具体性。

二十世纪上半叶是西方艺术在思想领域最为活跃的阶段。在此之前，工业革命和资产阶级革命深刻地动摇了欧洲社会原有的权威结构。挑战权威、追求个性的尝试激励着年轻的艺术家积极地参与时代精神的建构，艺术流派的多元化和快速更迭成就了这一时期艺术发展的主要特征。经历两次世界大战，欧洲大部分国家实现了从君主立宪到共和政体的转变，但是战争的残酷也终结了艺术家对技术进步和社会进步的乐观信仰。在西方艺术史上，从未有这样一个时代，艺术家如此强调艺术的社会使命，希望用艺术改造社会，最终却被泥沙俱下的社会变革裹挟了命运。 与诸多艺术史著作相比，本书的重要贡献在于选编了与二十世纪上半叶各种艺术流派相关的二十七篇理论文献。这些文论全部出自当时的艺术家和批评家之手，其中大部分是首次有体系地被译介到中国。借助这些思想的片段，读者可以超越艺术作品和艺术史学家的分析，直面艺术家的创作理念和艺术主张。

很长时间以来，艺术家对自己的艺术作品及行为不解释、不负责，而这种不负责任的行为并非没有造成一定的后果，这正是《艺术家的责任》一书要讨论的问题。现代艺术先锋派从哪里获得了豁免权，乃至于让它远离评判，摆脱“有用性”的逻辑，甚或避免向共同体投入的义务？艺术家难道是不负任何责任的人吗？ 这种豁免权与先锋派一个世纪以来被赋予的特权有关，因为先锋派曾被认为代表了进步与革命。让•克莱尔用富有历史性的分析表明，先锋派不仅以极左与极右的政治乌托邦为原型打造自己，反过来也为其提供了基本信条。先锋派和此类乌托邦同样具有暴力性，同样仇恨传统文化，且自60年代以来最终将反人道主义确立为行动的纲领。 本书重新勾勒了一种堕落的历史谱系。有关当代艺术的本质及其评判标准，争论甚至是论战，历时已久。在一个“去责任化的世界”，艺术家是否应该比寻常人承担更多的责任？作者强调 “我”与“他者”的“面对面”伦理关系，这或许能够引发我们的深思。

In the mold of his acclaimed History of Beauty, renowned cultural critic Umberto Eco’s On Ugliness is an exploration of the monstrous and the repellant in visual culture and the arts. What is the voyeuristic impulse behind our attraction to the gruesome and the horrible? Where does the magnetic appeal of the sordid and the scandalous come from? Is ugliness also in the eye of the beholder? Eco’s encyclopedic knowledge and captivating storytelling skills combine in this ingenious study of the Ugly, revealing that what we often shield ourselves from and shun in everyday life is what we’re most attracted to subliminally. Topics range from Milton’s Satan to Goethe’s Mephistopheles; from witchcraft and medieval torture tactics to martyrs, hermits, and penitents; from lunar births and disemboweled corpses to mythic monsters and sideshow freaks; and from Decadentism and picturesque ugliness to the tacky, kitsch, and camp, and the aesthetics of excess and vice. With abundant examples of painting and sculpture ranging from ancient Greek amphorae to Bosch, Brueghel, and Goya among others, and with quotations from the most celebrated writers and philosophers of each age, this provocative discussion explores in-depth the concepts of evil, depravity, and darkness in art and literature.